Wir sind wieder für Sie da! An der neuen Adresse: Hildmannplatz 5 Salzburg. Wir stellen die Werke akademischer Maler aus. Anita Bunčić, Saša Marjanović, Endre Penovac, Silva Vujovic, Ali Abbas Syed, Ljubomir Janković Jale, Maja Obradović, Marijana Karalić, Predrag Komanović, Milivoje Bogosavljević, Stojan Milanov, Slobodan Jelisijević, Zdravko Mandić

Aquarell Großformat 100cm x 150cm Großes Format, großartige Künstlerinnen und Künstler: Das gibt es ab dem 11. November 2019 in der Galerie b11 in einer Gemeinschaftsausstellung von: Dragana Dodig Pajković Serbien Cesc Farré Spanien Ilya Ibryaev Russland Saša Marjanović Serbien Endre Penovác Serbien Denis Petrulenkov Russland Javid Tabatabaei Iran Egle Lipeikaite Litauen Emilio Cardenas Spanien Eudes Correia Portugal George Politis Griechenland La Fe Tajland Nicolas Lopez Peru Ali Abbas Syed Pakistan zu sehen. Die Ausstellung kann bis zum 23.12.2019 zu den Öffnungszeiten der Galerie

Großes Format, großartige Künstlerinnen und Künstler: Das gibt es ab dem 11. November 2019 in der Galerie b11 in einer Gemeinschaftsausstellung von:

1	Dragana Dodig Pajković	Serbien	150x100	4500€
2	Cesc Farré	Spanien	100x150	4500€
3	Ilya Ibryaev	Russland	100x150	4500€
4	Saša Marjanović	Serbien	150x100	4000€
5	Endre Penovác	Serbien	100x150	4500€
6	Denis Petrulenkov	Russland	100x150	4500€
7	Javid Tabatabaei	Iran	100x150	4500€
8	Egle Lipeikaite	Litauen	100x150	4200€
9	Emilio Cardenas	Spanien	100x150	Verkauft
10	Eudes Correia	Portugal	100x150	4500€
11	George Politis	Griechenland	100x150	4000€
12	La Fe	Tajland	100x150	4500€
13	Nicolas Lopez	Peru	100x150	4500€
14	Ali Abbas Syed	Pakistan	100x150	4500€
15	Anna Ivanova	Russland	100x150	4500€

 

Im Zentrum dieser Ausstellung stehen männliche und weibliche Körper, wie von Gott erschaffen. Es gibt keine Möglichkeit, sich hinter nackten Körpern zu verstecken. Wir suchen nach Verankerung mit unseren Füßen und greifen mit unseren Händen, wir rufen mit unseren Fingern und skeptischen Blicken. Wir spielen die Rollen des Mundi Theaters. Norberto Leon Rios stammt aus der kolumbianischen Stadt Cali und lebt und arbeitet mittlerweile in Sevilla, Spanien.

„Meine Arbeiten stehen im Zeichen ständiger Überprüfung dem Verhältnis der Gesell-schaft gegenüber einem Einzelnen und des Verhältnisses eines Einzelnen zu sich selbst…“ (Saša Marjanović) Armut, Unglück und Kriege prägen sich tief in die Seele des Menschen ein und bestimmen sein ganzes weiteres Leben. Marjanovićs Arbeiten erzählen von Kriegsereignissen. Ein ruhiges, aber dennoch aufgewühltes Meeres assoziiert für einen Augenblick Frieden - doch was verbirgt sich dahinter bzw. was wird es den Menschen noch bringen?

1	Ändern Sie Penovac	Katze	Aquarell	38x60	verkauft
2	Ändern Sie Penovac	Hund	Tusche	38x60	verkauft
3	Ändern Sie Penovac	Hahn	Aquarell	38x56	verkauft
4	Ändern Sie Penovac	Gelb	Acryl-Bleistift	82 x 57	1000€
5	Ändern Sie Penovac	Strauß	Öl	40x50	verkauft
6	Ändern Sie Penovac	Mohn	Aquarell	28x38	400€
7	Ändern Sie Penovac	sie	Aquarell	38x56	700€
8	Ändern Sie Penovac	Waschen	Aquarell	28x38	400€
9	Ändern Sie Penovac	106	Aquarell	28x38	520€
10	Ändern Sie Penovac	120	Aquarell	28x38	520€

11

Ändern Sie Penovac

121

Aquarell

28x38

520€

12

Ändern Sie Penovac

116

Aquarell

38x56

1040€

13

Ändern Sie Penovac

117

Aquarell

38x56

1040€

14

Ändern Sie Penovac

118

Aquarell

57 x 77

1560€

15

Ändern Sie Penovac

114

Aquarell

28x37

520€

16

Ändern Sie Penovac

123

Aquarell

37 x 56

1040€

17

Ändern Sie Penovac

115

Aquarell

27x37

520€

 

Zwei besondere Personen, Künstler unterschiedlichen Charakters, in verschiedenen Kulturen groß geworden, überbrücken durch die Wahl ihrer Profession Distanzen und Differenzen: LaFe aus Südost-Asien und Endre Penovac aus Südosteuropa. Sie eint ihre Affinität und Liebe zur Aquarell-Kunst, der Königin aller Maltechniken. An dieser Stelle hat sich die Leitidee der Gemeinschaftsausstellung herauskristallisiert, die diese zwei dazu bewegte, sich mit dem Thema Wasser und dem Spiel des Menschen mit ihr auseinanderzusetzen – keinesfalls zufällig oder unbegründet. Nichtsdestotrotz war es herausfordernd, die auffälligen Effekte des Lichtspiels mit jenen der Transparenz und undurchdringlichen Dichte des Wassers zu verbinden. Versteckte sich dahinter nicht eine Kontroverse?Hinter dem Künstlernamen LaFe (spanisch: Glaube) steckt Sattha Homsawat, der mit seiner Aquarell-Kunst eine künstlerische Disziplin repräsentiert, die in seinem Heimatland Thailand relativ jung ist. In seinem Zugang, genauer gesagt bei seiner Wahl der Thematik, Arbeitsweise und des Werkzeugs, spiegelt sich der Einfluss des Westens wieder. Bis zum 19. Jahrhundert beschränkte sich die thailändische Malerei nämlich ausschließlich auf akzentuierte Zeichnungen religiösen Charakters im Rahmen des Buddhismus, die in Palästen und Klöstern bzw. handgefertigten Büchern zu finden waren. Das impliziert, dass LaFes Auffassung der Aquarell-Malerei (obwohl für uns geläufig) in seiner Heimat eine Besonderheit darstellt, da sie auf keine langjährige Tradition zurückblickt. Genauer gesagt genießt die Aquarell-Kunst erst seit Mitte des 20. Jahrhunderts bzw. dem Beginn des 21. Jahrhunderts große Popularität in Thailand und hat seitdem zahlreiche Nachahmer gefunden. Der akademisch gebildete LaFe zählt zu den Meistern seines Handwerks und reiht sich ein in die Liste der weltbesten Aquarellisten. Es war für ihn keineswegs einfach, mit den jahrhundertealten Traditionen zu brechen. Nichtsdestotrotz gehört LaFe zu jener Generation, die sich auf die Macht der Imagination besonnte und Aquarelle ohne vorliegende Zeichnungen erstellte. Er verließ den allseits bekannten Pfad der graphischen Darstellung und schuf mit bunten Farben realitätsnahe Formen zu diversen Thematiken, mit denen er sich befasste. Das Spiel mit der Helligkeit ist sein Steckenpferd, das auf einer wässrigen Unterlage seine volle Wirkkraft entfaltet. Die Reflexion der Schatten, die seine Motive (z.B. kindliche Körper und ihre Wasserspielplätze) werfen, könnte durchaus als ein Nebenschauplatz gesehen werden, der LaFe die Chance bietet, mit der Dichte der Pigmente zu spielen. Endre Penovac, einer der besten Aquarell-Künstler Serbien, ist bekannt für seine intime und zugleich präzise Beobachtung seines persönlichen Umfelds, das sich großteils auf das Leben nahe dem Element Erde befindet. Seine Werke entstehen auf nass getränkten Blättern und geben Farben die Möglichkeit, sich – bis zu einem gewissen Grad – frei zu entfalten. Seine Bilder laden den Betrachter ein, inne zu halten und sie auf sich wirken zu lassen. Zeitgleich fordern sie ihn heraus, gegen seine unsichtbare Macht anzukämpfen. Charakteristisch für Penovacs Aquarelle ist, dass weitläufige, mit breiten und sicheren Zügen aufgetragene Farbflächen, als abstrakte Sequenzen präsent sind, während kleine Körper oder Köpfe nicht mehr als Akzente eines beiläufigen Lebens darstellen. Eines Lebens bzw. Bewusstseins, das einer unsichtbaren, noch immer unbegreiflichen Größe des Wassers ausgeliefert ist bzw. versucht, ihr Widerstand zu leisten. Gerade in dieser Semantik, die einen psychologischen Moment herbeischwört liegt eine Gemeinsamkeit dieser zwei Meister ihrer Disziplin sowie ihre zwischenmenschliche Verbundenheit

«Tanzen ist nicht nur ein sorgenfreies Abheben, einem vom Winde verwehten Blatt gleich; Tanzen ist das Aufopfern des Herzens, das zwischen den Welten hängend gekreuzigt wird.» Rumi Die Aquarellkunst von Ali Abbas Syed, einem pakistanischen Künstler und Zeitgenossen, fällt in eben diese rühmenswerte Kategorie, in der das künstlerische Meisterwerk nach einem harmonischen Zusammenspiel von Seele, Herz und Geist trachtet. Die Unbefangenheit des Malers hüllt ihn, seine Poetik und seinen künstlerischen Fußabdruck in eine Aura von unstrittiger Authentizität. Seine Werke geben Einblicke in den Alltag der Nomaden der Thar-Wüste, der gekennzeichnet ist von kargen Wüstenlandschaften und Sand-stürmen, Trommelwirbel und Mystik. Ali Abbas Syed (*1968 in Hyderabad/Provinz Sindh) diplomierte 1993 Bildende Kunst an der Universität Sindh und zählt heute zu den großen Meistern der Aquarell-Kunst. Derzeit unterrichtet er an der Universität in Jamshoro Bildende Kunst und ist Präsident der Aquarell-Vereinigung Pakistans.    

Jedes Bild ist ein kleiner Beitrag zum Gesamtkunstwerk Leben. Jedes Bild ist an das Gestern - Heute -  Morgen gebunden und damit ein zeitlos gültiges Dokument eines gelebten Lebens voller Sehnsüchte, Freuden und Wagnisse.

Künstler

Kunstwerkstatt Lebenshilfe OÖ/Gmunden

ELI KUMPFHUBER SIGRID REINGRUBER MARGARETHE BAMBERGER JULIA RAKUSCHAN

Mundmaler/Atelier Salzburg

FARSHAD PEZESHKI (Thomas)   Anlässlich der Wanderausstellung „erfasst, verfolgt, vernichten“ findet in der Galerie b11 eine Ausstellung von Künstlern mit Behinderungen statt.    

Die Zahlenkombination 101,7 x 152,4 bezieht sich auf das Format von Aquarellen einer Gruppenausstellung, die ab dem 25. Februar 2017 in der Galerie b11 zu sehen ist. Doch was ist schon Besonderes an diesen großformatigen Werken? „Sie erfordern vom Betrachter mehr Raum zur Wahrnehmung“ – mögen die einen vielleicht denken? „Sie bieten den Schaffenden mehr Gestaltungsspielraum“ – die anderen? Tatsache ist, dass sich nur wenige Künstlerinnen und Künstler trauen, ihre Ideen auf solch großen Papierbögen zu verwirklichen. An der Gruppenausstellung beteiligen sich folgende Künstler:

• Ali Abbas Syed (Pakistan)
• Sergej Aparin (Russland/Serbien)
• Milan Tucović (Serbien)
• Saša Marjanović (Serbien)
• Željko Đurović (Serbien)

Die Ausstellung ist vom 25. Februar 2017 einen Monat lang in der Galerie b11 zu sehen

unter diesem Namen stellt Cäcilia Cilli Gabriel ab dem 5. August 2016ihre Nähkunst in der Galerie b11 aus. Gabriel, die an der Universität Mozarteum in Salzburg Malerei und Textiles Gestalten studierte, haucht ihren Kunstobjekten mit den Strichen ihrer Nähmaschine Leben ein. Ihre Arbeit fasst die gebürtige Saalfeldnerin folgendermaßen zusammen: „Kunst hin oder her – ich will einfach nur experimentieren, fantasieren und mich ausdrücken.“ Gabriel sei eine Künstlerin, die aus der Seele heraus näht – dessen ist sich der Schriftsteller Walter Müller sicher.

„Friedens-Network der Kunstobjekte“: Art4Peace Das internationale Art4Peace Kunstprojekt ist eine Friedens- Kunst- Initiative, die Kunstwerke weltweit vernetzt, um den Friedensgedanken in jeden Winkel des Erdballs zu transportieren. Zu diesem Zweck wird jedes Kunstwerk mit Elektronik, Sensoren und Software ausgestattet. Kunstobjekte bekommen durch E-Mail- und Twitter- Account eine Digitale-Identität, diese wird genutzt, um Friedensmahnungen mit Hilfe von Twitter zu senden. Auf der Twitterwall www.art4peace sind die Friedensbotschaften für jedermann einsehbar. Bei uns in Salzburg, stellen13 internationale Künstler, ihre, mit Twitter-Technologie ausgestatteten Werke, aus: Sabine Endres, Agii Gosse, Odo Rumpf, Volker Kiehn, Ingo Terrumanum, Wolfgang Himmel, Frank Oehlmann, Cäcilia Gabriel, Herbert H W Telieps, Francis Willm, Dorothea Hertel, Detlef Kirchner, Alexander Telieps

Techniken Aquarell Gemälde

Heute, Aquarelle sind in der Regel auf feuchtem Papier oder Stoff gebürstet, obwohl ältere Verfahren für die Verwendung von Velin als Leinwand beteiligt. Die transluzenten Farben sind oft mit einem undurchsichtigen Körperfarbe genannt Gouache gepaart. Die Grundtechnik für Aquarellen schaffen , ist durch die Verwendung von komplementären Waschungen und Glasuren. Erstere legt eine solide Farbfläche nach unten , während die letztere dient als Bildschirm, so dass die Wäsche zu durchleuchten. Einige Maler verwenden , um die nass in nass - Ansatz, der die Zugabe von Farbe oder Wasser zu einem Bereich der Arbeit erfordert , die bereits mit diesen Elementen gedämpft. Joseph Mallord William Turner ist mit der Erfindung des Verfahrens zum Gießen Farbe auf Teile der Oberfläche gutgeschrieben und dann Bürsten oder Kippen der Oberfläche frei , diese Farben zu mischen. Am anderen Ende des Spektrums ermöglicht es dem trockenen Pinsel - Technik Künstler frischer Farbe mit einem leicht feuchten Pinsel abholen zu schraffierten Striche zu erzeugen. Einige Künstler streuen Salz auf nasse Farbe eine dabbled, unvollkommenen Effekt zu erhalten. Viele Aquarellmaler halten Sie sich eine minimale Palette, anstatt ihre Aufmerksamkeit in ihren Kompositionen auf das Spiel mit unterschiedlichen Dichten und Tönen zu konzentrieren.

     

Schrift - Text - Textur in Raum und Zeit Landschaft, Stein und Ewigkeit Die Ausstellung FARBE IN DEN LINIEN zieht den gemeinsamen Nenner aus 3 sehr unterschiedlichen Künstlerpersönlichkeiten: Vida Bokal Neugebauer, Kalligrafin ist in Slowenien geboren und in Belgrad aufgewachsen, lebt aber schon viele Jahre in Salzburg. Sie betreibt die Kunst der Kalligrafie, um die sie ein großes Netzwerk aufgebaut hat.   Für die Kalligrafin ist die Kalligrafie nicht nur Handfertigkeit in der Ausführung, sondern auch Ausdruck einer emotionalen, geistigen Realität. Die Schrift aktiviert die Kraft der Seele. Mit visuell gestalteten Texten soll die Botschaft des Autors verstärkt werden und durch eigenes Empfinden die Freude und das Schönheitsgefühl weitergegeben werden. (Anna-Maria Eder) Gisela Eder Kam über die Welt der Bücher zur Kunst. Von der langjährigen Textilkünstlerin entwickelte sie sich zur Papierkünstlerin und zur Zeichnerin. Hier zeigt sie grafische Arbeiten, die sich auf Landschaften mit Felsritzzeichungen beziehen. Ihre Motive findet sie auch gern in Ex-Jugoslawien. www.gisela-eder.at Anna-Maria Eder zeigt hier als Schmuckkünstlerin ein Potpourri aus ihrem symbolhaltigen Schmuckschaffen www.ame-schmuck.at

Der Architekt und Künstler Omer Berber wurde 1948 in Banja Luka (Bosnien) geboren und schloss in Laibach (Slowenien) sein Hochschulstudium als Architekt ab. Bereits am Anfang seiner Karriere als Künstler und Architekt fand seine Arbeit große Anerkennung. So wurde er beispielsweise schon 1971 im Rahmen der Ausstellung für junge Künstler in Sarajevo mit dem ersten Preis ausgezeichnet. Im Laufe seines künstlerischen Werdegangs nahm Omer Berber an einer Vielzahl von Ausstellungen im In- und Ausland teil. Zudem präsentierte er seine Werke auch in diversen Einzelausstellungen in Europa, Afrika und Asien: 1977 in Banja Luka, 1980 und 1994 in Maribor (Slowenien), 1981 in Sarajewo (Bosnien), 1985 in Zagreb (Kroatien), 1986, 1987 und 1990 in Belgrad, 1988 in Genf (Schweiz), 1986 in Tunis (Tunesien) und 1989 in Moskau (Russland). 1992, 1993 und 1994 stellt er seine Arbeiten im „Isetan Art Salon“ in Tokio sowie in anderen Städten Japans wie Tobata City (1992), Ube (1992), Amori (1992), Sapporo (1992, 1993, 1994), Korube (1992), Chiaba (1994), Niagat (1994) und Hiroshima (1994) aus. 1994 folgten zwei weitere Ausstellungen in Velden (Osterreich) und in Bozen (ltalien). Darüber hinaus beteiligte sich Omer Berber an zahlreichen Ausstellungen der Gruppe „Sefardi 92”, insbesondere in Toledo (Spanien), Tel-Aviv (Israel), Paris (Frankreich) und Wien (Osterreich). Omer Berber arbeitet und lebt derzeit in Bozen, Italien.